Este jueves 11 de marzo se estrena esta obra de teatri en Lastarria 90 y en La Pollera estamos sorteando 10 entradas dobles. Para participar debes responder la pregunta que hay al final del artículo en los comentarios de este post. Recuerda dejar tu mail verdadero, total no saldrá publicado. Pero… ¿qué es Mahabharata: la muerte de Pandu?

El Mahabharata es el cuento épico más importante de India y su tradición védica. Historias de reyes, sabios, dioses y demonios, que con una enorme profundidad filosófica apuntan a instruir acerca de los cuatro objetivos de la vida: Dharma (deber religioso), artha (riqueza), kama (placer) y moksa (salvación).

El rey de Pandu caza en el bosque, confunde al Sabio Kindam y a su esposa con una pareja de ciervos, dándoles la muerte con sus flechas letales. El sabio en su agonía, maldice a Pandu con la muerte inmediata al momento previo de la unión sexual. Consternado ante tal situación, el Rey de Hastinapura decide renunciar a todo e internarse en el bosque para alcanzar la anhelada perfección espiritual.

Entrada general $3.000
Estudiantes y tercera edad $2.000
Jueves populares a $2.000

INTÉRPRETES
Aníbal Peña
Cristian Soto
Arellys Espinosa
Deissy Hidalgo
Mariano Jiménez
Paulina Escalona
Alondra Cid

DISEÑO ESPACIAL
Javier Alvarado

FOTOGRAFÍAS
Macarena Escalona

MÚSICA
Martin Farías

DISEÑO DE VESTUARIO
Carmen Gloria Cuello

DIRECCIÓN
Simón Silva Quezada

¿Cómo se llamaba el rey de Hastinapura?

En el artículo y el video se puede encontrar una ayudita. Sorteo el 17 de marzo.

Centro Cultural Amanda, Embajador Doussinague 1767, local 207

$3.500 por persona y $6.000 por pareja.

Los actores chilenos no podían estar ausentes a la desgracia nacional, y se ha organizado una maratón de teatro, cuyas ganancias irán en un 100% al beneficio de las víctimas. Este evento cultural y solidario se realizará en el centro cultural Amanda, Embajador Doussinague 1767, local 207, Vitacura.

Comenzará a las 3 de la tarde. Los precios para asistir a cada obra de teatro son 3.500 por persona y 6000 por pareja.

Dentro de los rostros que estarán presentes destacan Juan Pablo Sáez, Renata Bravo, Alejandra Herrera, Rosita Nicolet, Remigio Remedy, José Luis Bouchon, Pamela Villalba, Andrea Freund y Mateo Iribarren, quienes interpretarán geniales obras: “Heridas Múltiples, “El bueno, el malo y el chico”, “Quien dijo que los hombres no sirven para nada”, y “Disfunciones sexuales”

15: 00 HERIDAS MÚLTIPLES

Ella se cambia de casa… Es la última noche, embala las últimas cajas, tiene que despedirse del lugar, de sus recuerdos, de todos los proyectos que quedarán ahí y de su vecina…Una mujer que es agredida por su marido, situación de la cuál ella ha sido testigo mucho tiempo. Es la última oportunidad que tiene para decir o hacer algo… ¿Tiene derecho a intervenir? La obra transcurre en un departamento céntrico de Santiago. Un Santiago ahogado por la congestión, la contaminación (el smog y el ruido), donde la agresividad de la gente se ve potenciada por factores externos que escapan de las manos de los personajes. Un Santiago egoísta e individualista, donde cada persona se preocupa sólo de sus propios problemas.

Elenco: Carina Dávila y María José Moya.

17:00 El Bueno, El Malo y El Chico

Donada por la Corporación Cultural San Ginés. Un espectáculo de humor, inspirado en los westerns de Sergio Leone, pero enmarcado en el formato del Stand Up. Con lo cual podríamos decir que estamos frente a un auténtico Spaguetti Stand Up o un Stand Up Werstern , como Ud. prefiera. Lo que sí podemos asegurarle es que va a pasar un muy buen momento junto a estos tres queridos y reconocidos actores y comediantes : Claudio Olate, Juan Pablo Sáez y un actor invitado.

A lo largo de una hora y media el espectador podrá disfrutar un espectáculo por donde desfilará una galería de estrellas de la talla de Luciano Pavarotti, Michael Jackson , Ricardo Montaner , Arjona entre muchos otros ya que el objetivo de los intérpretes seré develar el ridículo rito de vencer y superar aquellas experiencias, que hasta el momento les han hecho muy difícil concretar sus desmesurados sueños de grandeza.

Los personajes bailan, cantan, imitan y describen situaciones que muestran desde los inconvenientes de ser chico, los problemas de ser aparentemente feo y las accidentadas relaciones de pareja.

Para Reír a Carcajadas!!! Imperdible!

Actores: Claudio Olate, Juan Pablo Sáez y un actor invitado.

19:30 QUIEN DIJO QUE LOS HOMBRES NO SIRVEN PARA NADA

Es un divertido espectáculo teatral, interpretado por cinco mujeres que nos llevan a conocer su visión del mundo de los hombres. Está compuesto por seis cuadros: “el pensamiento de los más grandes libertinos de la historia”, “copuchas de mujeres sobre la realidad masculina”, “el despertar a la sexualidad”, “los chicos van de carrete “, “discusión de casados”, “pobres “pelaos”, más una “conferencia ilustrada, sobre la sexualidad masculina”.

Actrices: Renata Bravo. Alejandra Herrera, Tachi Lobos, Rosita Nicolet.

22:00 Disfunciones Sexuales

Tres historias independientes son relatadas en “Disfunciones sexuales”, un montaje sarcástico sobre los problemas en la vida sexual de los chilenos. La primera historia, “El óvulo” expone el conflicto de una pareja homosexual que anhela tener un hijo, por lo se proponen conseguir un óvulo para lograr su objetivo. Luego se abre paso “Ausencia”, que con humor muestra a una mujer que sufre la desaparición de su sexo, por lo que su cuerpo queda como el de una barbie. El tercer relato, “El lobo precoz” exhibe el problema de un seductor que se convierte en un eyaculador con problemas.

Actores: Remigio Remedy, José Luis Bouchon, Andrea Freund, Pamela Villalba y Mateo Iribarren.

PROMO: La entrada a 35% de descuento para las funciones del 25 al 28 de febrero!

Después de dar la vuelta al mundo, llegó a Chile “Mi Primera Vez”, un exitoso montaje del Off Broadway en formato Stand up comedy .Para crear su guión se basó en las narraciones de miles de internautas que anónimamente describieron todos los detalles de su primera experiencia sexual. La compañía Éxitos de Afuera –los mismos responsables de Monólogos de la Marihuana- recopiló historias reales de chilenos, para presentar la versión local como una puntuda y descarcajante comedia. En un ritmo ágil y divertido, los 4 actores en escena contarán las más íntimas historias, identificando a cada espectador en la sala….

Autor: Ken Davenport

Director: Javier Araya

Elenco: Ignacio Santa Cruz, María Paz Poblete, Sebastián Contreras y Francisca Villagra.

* Primera quincena:

Horario: jueves a sábado a las 21 horas, domingo a las 20 horas

Temporada: hasta el 14 de marzo (luego cambia de horario en la segunda quincena)

Valor: $8.000 general y $4.000 estudiantes y tercera edad

* Segunda quincena:

Horario: viernes y sábado a las 23 horas

Temporada: Desde el 19 de marzo

Valor: $8.000 general y $4.000 estudiantes y tercera edad

Sottovoce, sonata en primavera

PROMO: 35% de descuento para las funciones del 26 y27 de febrero!

Trata sobre una pareja de actores que al conocerse deciden crear una obra , vemos los ensayos y la vida de ellos. Así se establece una ficción dentro de la ficción que nos abre el mundo de los ensayos y los procesos humanos involucrados en el montaje de un espectáculo teatral.
Todo esto en un espacio despojado y con una pantalla de retroproyecciones delante de la que suceden todas las acciones. De esta manera se producen imágenes de gran belleza y potencia estética y sin abandonar nunca la vocación del montaje; el humor inteligente.

Autor: Leonardo Prieto, Loreto González

Director: Leonardo Prieto

Elenco : Loreto González y Leonardo Prieto

Horario: viernes y sábado 22:30 hrs.

Temporada: desde el 4 de febrero

Valor: $8.000 general y $4.000 estudiantes y tercera edad

Rotos de Amor

Rotos de amor, es una obra que de manera tierna y humana te provoca la risa desde que se abre el telón. Una comedia que busca la sonrisa y la comicidad con el espectador de principio a fin. Un espectáculo que habla del amor con mayúscula.

En ella cuatro hombres se enfrentan a una ruptura amorosa. Pero en vez de reaccionar con resentimiento hacia su pareja, deciden combatir el desamor con más amor. Para ello planificarán las situaciones más absurdas y desternillantes con el fin de volver a reconquistar el corazón de sus respectivas amadas.

Una manera diferente de hacer comedia donde de forma divertida y cercana, se reivindica la fe en el amor con todas sus consecuencias.

Autor: Rafael Bruzza

Director: Mateo Iribarren

Compañía: Tocco Producciones

Elenco: Bastián Bodenhofer, Alejandro Trejo, Mateo iribarren, Christian Zúñiga.

Horario: jueves, viernes y sábados 21.00 hrs., domingo 20.00 hrs.

Temporada: desde jueves 18 de marzo

Valores: jueves y domingo: $8.000 general y $6.000 estudiantes o tercera edad

* Viernes y sábado $10.000 único valor.

“CUERPO, VIAJE AL CENTRO DE UN BESO”

PROMO: 35% de descuento para las funciones del 27 y 28 de febrero

La historia sucede al interior del cuerpo, un segundo antes de dar el primer beso de amor… desde el exterior viajaremos a través de los cinco sentidos al interior de la protagonista, recreando la movilización interna de los sistemas principales, los órganos y las emociones que transcurren en UN SEGUNDO EN EL CUERPO DE UN ENAMORADO.

El Conflicto se desarrolla en el instante que Don Hipotálamo ordena secretar a las hormonas, para acelerar y activar los sistemas, las neuronas ágiles y copuchentas llegan al Sistema Nervioso Central y se encuentran con que El Para-simpático y El Simpático se fueron de vacaciones.

¿Quién tomará el mando del cuerpo para dar paso al beso? ¿Están dispuestos los sistemas, órganos y sentidos a dar paso al enamoramiento? ¿será un desajuste, “una enfermedad” ? o un bienestar y armonía para todos los que habitan el cuerpo?

Glóbulos blancos y rojos, hormonas neuronas, pulmones, corazón, estómago y los cinco sentidos, defenderá su propia idea de armonía y felicidad en un momento de ansiedad e inseguridad descubriendo una nueva manera de vivir.

Autor: Luciano Morales

Director: Luciano Morales

Compañía: Teatro La Quimera

Elenco: Tanya Brodsky, Luis Fuentes, Natalia Leal, Rodrigo Bustamante, Laura Maldonado, Javier Fuentes, Carolina Highet, Alejandra Mora.

Horario: sábado y domingo a las 17 horas

Temporada: Desde el sábado 6 de febrero

Valor: $4.000 general y $2.500 niños y tercera edad

Azulina y el espíritu del bosque

PROMO: 35% de descuento para las funciones del 27 y 28 de febrero

Esta obra está basada en la historia de Azulina, un hada, que conocerá casualmente a Landy y Mayelin dos hermanos que junto a sus padres se encuentran de vacaciones en algún bosque del sur de Chile. Azulina se enamora perdidamente de Landy lo que provoca en ella una tensa discordia entre los 2 mundos y esto se debe en gran parte a que Landy no sólo es incapaz de verla o percibirla, sino que además no cree en las Hadas.

Mayelin por su parte mantendrá una estrecha amistad con Azulina quien la ayudará a conocer los secretos mágicos de la vida, a encontrarse a sí misma y a volver a su verdadero origen. Durante el desarrollo de la historia Mayelin le transmite a Landy las enseñanzas que Azulina le entrega en relación a la importancia del equilibrio natural y la conservación de las especies, el respeto a los seres mágicos de los bosques, sus animales, árboles, ríos, cascadas y aliados mágicos que cuidan incansablemente nuestra naturaleza, pero que sin ayuda irán poco a poco desapareciendo. El desarrollo de la obra transcurre en tres actos, cautivándonos lúdicamente a través de técnicas teatrales, audiovisuales, con danza y música. La revelación final de la obra permitirá que la audiencia tome su propia decisión en relación al tema central y este inesperado vuelco es el que invitará a una verdadera reflexión.

Compañía: Teatrorigen

Nombre del director: Alejandra Pinto

Dramaturgia: Alejandra Pinto (Basada en la novela Azulina de Suryavan Solar)

Elenco: María de los Ángeles García, Juan Pablo Larenas, Javiera Pérez, Enrique Llanos, Jimena Hevia, Pedro Daire.

Horario: sábado y domingo a las 18.30

Temporada: desde el sábado 6 de febrero

Valor: $4.000 general y $2.500 niños y tercera edad

Teatro Mori Vitacura

Yo, Feuerbach

En “Yo, Feuerbach”, vemos la pesadilla de un actor que envejece. Feuerbach es un ser humano que lucha por su presencia, no sólo por un papel ni porque lo contraten en un teatro, sino por su vida. El lenguaje y la representación son sus medios de supervivencia. Hay algo de desesperada comicidad en la manera en que Feuerbach recurre a ambas cosas. Feuerbach no es un actor sólo en sentido figurado, como muchos de los personajes de Tankred Dorst, sino uno de ésos que se regocijan representando papeles y que han sucumbido a la representación de esos papeles.
M. Soledad Lagos, Dr. phil.

Dirección: Alexander Stillmark
Elenco: Héctor Noguera, Juan Pablo Ogalde, Paulina Moyano
Horario: jueves a sábado a las 21 horas, domingo a las 20 horas

Temporada desde el 4 de marzo

Valor: $8.000 general $5.000 estudiantes y tercera edad

El rey que no creía en los

cuentos de hadas

Cuatro juglares viajan por el mundo representando historias. Sus diferentes personalidades y el caos propio de una compañía de teatro itinerante, hacen que sean un poco atolondrados y locos en la forma de hacer sus representaciones. Esta vez, nos representan la obra “El rey que no creía en los cuentos de hadas”, la historia sobre un reino aproblemado por las diferencias de carácter del rey y de la reina, ella mucho más espiritual y mágica y él mucho más práctico y terrenal. Basada en un cuento popular anónimo, hemos adaptado esta historia para el teatro enriquecido con el histrionismo de un antiguo oficio, el del juglar. A través de recursos como la música, la pantomima y pequeños números de circo, los juglares llevan la narración con un ritmo ágil y entretenido. En el transcurso del relato, deberán cumplir diversas funciones como mover marionetas, tocar música, representar varios personajes e ir manipulando la escenografía para crear los distintos ambientes. El espectador contempla dos historias paralelas, la de los juglares esforzándose por actuar bien y la historia que ellos representan.

Autor: Rodrigo Román Álvarez

Director: Rodrigo Román Álvarez

Compañía: Pezpajaro

Elenco: María Paz Jorquiera, Andrés Pozo, Javier Bolivar, Fernando Pereira

Horario: Sábado y domingo 16:00

Temporada: desde el 6 de marzo

Valores: $4000 general y $2000 niños y tercera edad

El Viaje de Juliet

Adaptación de un texto del célebre autor irlandés William Trevor, relata el recorrido de una pre- adolescente que junto a su abuela pasa unas fabulosas vacaciones en la costa de Francia. Pero sobre todo relata el viaje interno que Juliet realiza en su proceso de madurez y crecimiento, en la búsqueda de su propia historia.

Bajo la adaptación y dirección de Rodrigo Román, “EL VIAJE DE JULIET” nos demuestra poéticamente cuan importante es disfrutar de la narración de cuentos para nutrir nuestra imaginación. Para ello proyectan animaciones, música original y una creativa y sugerente escenografía, elementos que acompañan las acertadas y versátiles interpretaciones de los actores. Todo esto llevará a Juliet a alcanzar junto a su nada convencional abuela, la propia historia que tanto desea.

Autor: Rodrigo Román Álvarez

Director: Rodrigo Román Álvarez

Compañía: Pezpajaro

Elenco: Claudia Durán, Daniela Contreras y Javier Bolivar

Horario: Sábado y domingo 17:30

Temporada: desde el 6 de marzo

Valores: $4000 general y $2000 niños y tercera edad

Teatro Mori Bellavista

Payasos de la Esperanza

Obra creada en 1977 en el Taller de investigación Teatral (TIT) y testimonia el alto impacto que tuvo en el mundo masculino el desempleo en la década de los 70.

Este clásico de las tablas de los años 70 recrea la espera de tres payasos cesantes, que intentan mejorar su suerte en la esperanza de una eventual contratación, mientras el mas novato de ellos se interna en las rudimentarias técnicas del oficio guiado por los otros dos.

Dirección: Mauricio Pesutic

Elenco: Roberto Farías, Claudio Castellón y Sebastián Layseca

Compañía: Tristitia Teatro

Horario: jueves a sábado 21 horas

Temporada: Desde el jueves 4 de marzo

Valor: $7.000 general y $4.000 estudiantes y tercera edad

Para entradas a otros espectáculos, con serios e impresionantes descuentos, no olvides visitar a nuestro partner:

Esta actividad forma parte de la variada programación de verano impulsada por la Alcaldesa de Viña. Virginia Reginato, que busca ofrecer panoramas atractivos a la vez de promover el arte y la cultura a la comunidad que vive y visita la comuna en este verano 2010.

El “Primer Festival de Teatro Apoyarte” es una competencia que reúne montajes de diversas compañías de la zona que presentarán obras que apuntan a un público familiar. Estas obras se presentarán gratuitamente desde el 9 al 13 de febrero a las 21:30 horas en el patio del Centro Cultural.

Asimismo, este Primer Festival de Teatro APOYARTE contempla la realización de intervenciones teatrales en distintos puntos de la Ciudad Jardín, como una forma de promover tanto este evento como la disciplina del teatro. Estas intervenciones se realizarán en las tardes, en puntos estratégicos de la ciudad, como la playa El Sol, Plaza México, Plaza bernardo O’Higgins, playa Las Salinas y la Plaza José Francisco Vergara.

Programación

En cinco días  cinco obras de compañías de la zona, competirán por el primer premio el cual consta de una función en el Teatro Municipal de Viña del Mar.

El jurado encargado de deliberar está compuesto por Marta Núñez, actriz y bailarina, Profesora de Teatro Corporal, integrante de la Producción del Festival Teatro Container; Alejandra Varela: actriz y psicóloga, Profesora de Teatro Gestual y Rodolfo Cepeda, Actor y Profesor de Historia, Ex integrante de la Compañía “Teatro del Paraíso”, actualmente a cargo del Programa Muestra de Danza y Teatro Escolar de la Sección de Educación del Departamento de Ciudadanía y Cultura.

El festival es inaugurado el martes 9 de febrero a las 21:00 horas, con la pieza “Y vuelve el invierno”, del Colectivo 3cuartos y continúa el miércoles 10 de febrero con “El zorzal no canta más” de la Compañía Dinamic; el jueves 11 “La caída de Venus”, de la Compañía Matraca; el viernes 12 con “Las aventuras de los hermanos Gondia en Rav Megamercado”, de la Compañía hermanos Gandia y el sábado 13 de febrero con “Tristán y la última estrella”, de la Compañía Tripulantes.

Obras en Competencia

Y VUELVE EL INVIERNO

Narra la historia de Ibuki un bebe japonés que es abandonado por su madre en un pequeño poblado de China y al crecer, tendrá que enfrentar la dicotomía entre el lugar en que vive y el lugar donde nació.

La compañía “3cuartos” a través del lenguaje complejo del teatro físico, nos muestran una historia cargada de amor, venganza y expuesto en una puesta en escena que nos expone la belleza de una cultura tan distinta a la nuestra como lo es la asiática.

EL ZORZAL NO CANTA MÁS

Escrito por el dramaturgo nacional Gustavo Meza y ambientado en el puerto de Valparaíso, el montaje está inspirado en un caso policial verídico que desarrolla al ritmo del tango la trágica historia de los miembros de una familia porteña que, cansados de sufrir los constantes abusos físicos y psicológicos del padre, deciden poner fin a este régimen del terror y tomar la justicia en sus manos.

Con un carácter documental y planteando una temática contingente, “El zorzal ya no canta más” entrega, a través de una puesta en escena lúdica y potente, un mensaje que traspasará al espectador y lo hará experimentar un abanico de emociones y estados que van desde la risa al sobrecogimiento.

LA CAÍDA DE VENUS

La compañía teatral “Matracas” nos expone en este montaje la visión del mundo desde la mirada femenina y lo complejo que es hoy en día ser mujer en una sociedad machista. Las historias no escatiman en estrato social ni rango etareo.

El lenguaje esta basado en la comedia, la que hace que el espectador se identifique con las situaciones expuestas en escena.

LAS AVENTURAS DE LOS HERMANOS GONDIA EN RAV MEGAMERCADO

Es una comedia que cuenta la historia de Eduardo y Tomás Gondia, dos hermanos cesantes, que en su agotadora búsqueda de trabajo, han fracasado constantemente. Sin embargo RAV Megamercado: el único que te da más, porque te conoce abre sus puertas y los acoge amablemente como empleados, cumpliendo el anhelado sueño de los Gondia. No obstante la empresa últimamente se ha visto afectada por la crisis mundial de carne, esto lleva a que su dueño, el magnate Alex Plotta Door, deba ejecutar su maquiavélico plan. Desde ese momento los hermanos se verán envueltos en múltiples aventuras. La comedia que este montaje presenta está creada bajo un estilo muy particular que mantiene al espectador sin perder un segundo el punto de atención.

TRISTAN Y LA ÚLTIMA ESTRELLA:

Nos presenta la historia de un pequeño niño, que en medio de una tensa situación familiar y en su búsqueda incesante por entender las cosas se ve envuelto en un viaje a través del espacio, de donde no podrá salir hasta encontrar la última estrella del universo. En este mágico viaje, el pequeño Tristán aprenderá a valorarse, a confiar en sí mismo y descubrirá lo que es la amistad. El lenguaje mágico y lúdico de la obra permite que los niños se reflejen en nuestro protagonista que realiza una verdadera odisea espacial que finalmente será una aventura que todo el público disfrutará.

Y qué buen momento para saludar a una vieja amiga. Porque lo que me esperaba en el Teatro Municipal de Valparaíso, era una de las obras más maravillosas que me haya tocado presenciar, sin temor a exagerar. “Pedro de Valdivia…” tiene tantos aciertos, tantos puntos altos, tanto que alabarle y tan increíble inexistencia total de defectos, que se transforma en esas experiencias con el arte que acompañan y se diluyen en el espíritu del espectador para toda la vida.

La entrada al Festival era liberada, por lo que el público que repletaba el Municipal era heterogéneo. Desde crespos adultos jóvenes con lentes de marco grueso, muy cool y muy intelectual, pasando por dulces parejas de recién enamorados que buscan excusas para matar juntos el tiempo, hasta adolescentes pokemoides con pelos teñidos, aliento a chicle de menta y risas estridentes. Sentado en la tercera fila esperaba la función, con The Clash en las pailas y sin ninguna pretensión más que volver al Teatro después de un buen tiempo.

Luces afuera. Apagar celulares, prohibidas cámaras. Lo primero que llama la atención es la brutal cantidad de instrumentos musicales–fácilmente más de 15 distintos- así como su variedad, entre las que se cuenta guitarra española, guitarra eléctrica, bajo eléctrico, clarín, trutruca, cajón peruano, mandolina, flauta traversa, trompeta, acordeón, por sólo mencionar algunos, lo que te hace suponer que verás una obra nutrida en músicos y actores. Precisamente he aquí el primer impacto: el comienzo de la obra nos encuentra con sólo 3 actores/músicos en escena, que parten exhibiendo una  impresionante habilidad técnica y expresiva con sus respectivos instrumentos. Pero hay más: con el correr de las escenas, nos percatamos que toman uno y otro de los dispuestos en escena, en rotaciones y enroques constantes según requiera el contexto dramático, mostrando los 3 la misma pulcritud y capacidad interpretativa en cada uno de ellos, sin por esto perder en expresión corporal, la cual siempre está al servicio del texto y de la escena. Talento puro.

La versatilidad impactante de los actores es precisamente lo que da a paso a una historia relatada con una agilidad electrizante, en donde la tragedia y la comedia forman una interesante mezcla en que el humor negro es un hijo inevitable. Con las constantes y perfectamente medidas intervenciones musicales como cortina, resalta la capacidad emotiva de los actores Francisco Sánchez, Pablo Obreque y César Espinoza, quienes permiten que esos juglares que narran la historia de Valdivia adopten en lo que dura un chasquido de dedos una numerosa y variopinta gama de personajes sin necesitar un solo aviso evidente al espectador, siendo más que suficiente los magníficos giros expresivos de los actores.

Cuando ya tenemos bastante para maravillarnos con la versatilidad y talento artístico impactante de los actores, comenzamos a deleitarnos con la mano del director y del texto. La historia consiste en la vida de de Pedro de Valdivia, en base a las cartas que envió a la Corona Española, desde su llegada a Chile hasta que es capturado y ejecutado por los Mapuches. Desde el contenido de éstas, se relata su personalidad, pero desde una óptica de reconstrucción histórica mucho más evidente que el amarillento relato de los textos escolares donde se muestra  a Pedro de Valdivia como un héroe: la realidad cruda y oscura de los protagonistas de la Conquista, quienes a sangre fría exterminaron sostenidamente a los pueblos originarios, sometiéndolos a las más horrendas torturas y vejámenes sin muestra alguna de misericordia. Todo esto es logrado sin caer en densas reivindicaciones, si no que un perfectamente bien logrado sentido del humor con guiños incluso a la Historia más reciente de Chile, y que tampoco se pierden en la representación del Pueblo Mapuche, que es sometido también a la caricaturización propia del texto de la obra. Todos elementos que sacan risas a la audiencia a cada momento.

Todos lo mencionado, más un impecable y original uso de objetos en escena que interactúan con los personajes , y un perfecto juego de iluminación que acompaña en todo momento la emotividad de las escenas, conforman una obra sencillamente perfecta. En el intento de resumir las características fundamentales de su genialidad, diría que es una muestra magnífica de cómo hacer teatro masivo dotado de una calidad dramática de excelencia: con toda la velocidad, frontalidad y variedad que exige una audiencia heterogénea en donde ni el más asiduo a las tablas ni el más lejano quedan ajenos al relato que se presenta, mostrando con la profunda sencillez del humor, la reconstrucción histórica de una Conquista que es enseñada a nuestros niños con increíble inhumanidad, sin mencionarles que a costa de nuestra civilización mestiza se sacrificaron miles de personas inocentes, que son los originales hijos de esta tierra chilena.

En el cierre, inelectualoides, pokemoides y pololoides eran uno sólo: ovación de pie de varios minutos de duración, y la emoción de los actores que su rostro no les permitió disimular. Un encuentro entre el arte, la historia y el pueblo, que pocas veces vi en semejante armonía.

Salí del teatro, y pensé que Chile seguía siendo el mismo. A cientos de kilómetros de distancia, y luego de varios siglos de tortura, el legado de horror Valdivia y los Conquistadores sigue haciendo eco en lo más profundo de Arauco, sin que muchos se den por aludidos.

La obra de Teatro infantil “La Araukaria Tenedor Kon Papas” ganadora de FONDART 2008 en la categoría de teatro infantil familiar, del colectivo teatral ATRAPALABRA, presentara una nueva temporada de Funciones durante el mes de Noviembre, en el centro de extensión de la Universidad Católica Alameda 390 – Sala Cine UC.

El Colectivo Teatral “Atrapalabra”, es un grupo emergente formado por artistas de la Universidad de Chile, que se crea con la finalidad de establecer una conexión entre nuestras raíces y las nuevas generaciones, con el fin de promover en los niños una cercanía y empatía hacia nuestra cultura, mediante un espacio lúdico, mágico y experimental, en donde la representación teatral se vuelve contemporánea y contingente, generando reflexión y opinión, esta vez en un publico infantil.

La experiencia que sirvió de base para la obra “La Araukaria Tenedor Kon Papas” se desarrolla el año 2007 con el proyecto “Que no se lo lleve el viento”, ganador del Fondo de Desarrollo Institucional en la línea de emprendimiento estudiantil del Ministerio de Educación (FDI).Este trabajo buscó fortalecer el lazo existente entre niños de comunidades del lago Lleu – Lleu y su patrimonio histórico, a través del rescate oral y la interpretación teatral de una parte de su historia. En este proyecto participaron dos miembros del actual colectivo y producto de la experiencia, instrucción y reflexión entregada por el pueblo mapuche, nace la idea de hacer un montaje que refleje la visión de los niños frente a su problemática actual.

“La Araukaria Tenedor kon Papas” es una obra teatral infantil de temática Mapuche basada en un cuento del actor y dramaturgo, Cristian Aravena y con la dirección de la diseñadora Teatral Paloma Molina. La obra relata la historia de Marta, Marcial, Ociel y Rocío cuatro niños mapuche de Icalma (región de La Araucanía), que reciben por medio de sueños el secreto curador para los abuelos de la comunidad, aquejados por una extraña enfermedad. Luego del sueño los cuatro amigos deciden cuidar de este lugar, pero un día ocurre un hecho inesperado. La historia se desenlaza jugando con la magia, la contradicción humana adulta y los niños, quienes buscarán la mejor solución frente a este inusitado problema. Dentro del montaje se puede observar un cruce con lo legendario y onírico de este pueblo, a través de “La niña de la calavera” relato oral mapuche, transcrito por Marcela Recabarren, que es contado por la abuela de la protagonista. La obra tiene una duración de 50 minutos.

Dirección General

Paloma Molina

Dirección Actoral

Paloma Molina

Cristian Aravena

Elenco

Marcela Gueny

Gabriel Cañas

Isaura Flores

José Miguel Gallardo

Felipe Olivares

Diseño Integral

Felipe Olivares

Marcela Gueny

Música

Composición y Dirección Musical

Lautaro Mura

Interpretes

Gabriel Molina

Isabel Contreras

Nicolás Lascar

Lautaro Mura

Sonido

Ramón Molina

Hugo Cifuentes

Iluminación

Paloma Molina

Diseño Grafico

Felipe Bruna

Asesor Intercultural

Alejandro Soto

Producción

Marcela Gueny

Paloma Molina

Realizadores:

Guido Reyes

Felipe Olivares

Claudia Durán

Paloma Molina

Información Funciones:

Funciones del 7 al 29 de noviembre

Sábados 16:00 hrs. y Domingos 12:00 hrs.

Centro de Extensión de la Pontificia Universidad Católica

(Alameda 390). Sala Cine UC Entrada General $ 2.000

Niños y Adultos Mayores $ 1.500
Grupo Cine UC, Club Lectores del Mercurio y Asociación de ex alumnos UC 2×1.
Boletería e Informaciones 354 6507 / 354 6516

Contacto:

atrapalabra@gmail.com

Paloma Molina 86480550

Sitio Web

http://atrapalabra.wordpress.com/

Sin embargo, pocas veces nos cuestionamos qué pasa detrás de toda esa máquina que sucede como si no estuviéramos ahí, y que incluso a ratos nos mira y apela para que nos riamos.

Obviamente ahora no podré (porque no quiero) responder a todas estas interrogantes, pero sí les puedo decir que la cosa es más compleja con muñecos. Y no sólo es una cosa de simulacros más simulacros menos, tiene que ver con que hay alguien con un artilugio en la mano, yo lo veo, pero lo ignoro. Para el espectador, yo, el actor es un ser invisible. Mi emoción yace en lo teatral desplegándose desde la madera/cartón/plástico/tela, el hueso y la sangre hoy descansan para mejor. Aunque no tanto.

Por ejemplo, al asistir a la ceremonia inaugural de La rebelión de los muñecos, un actor con un paño blanco sobre un escenario con música (una voz maternal parecía arrullar a su hijo), enseñó qué puede ser una marioneta: un paño blanco con forma de mujer o, mejor dicho, comportándose como si lo fuera. Y ahí esta todo, el teatro es un como si. Como si fuera mentira, como si todo todo fuera verdad.

Entonces, más allá de las metáforas el teatro es sueño y la vida es vida. Ir a ver La rebelión de los muñecos es una cuestión interesante. Programado como festival de teatro de marionetas en el Teatro de la Universidad Católica (los mismos dueños de la iglesia del mismo nombre), las compañías ViajeInmóvil (Jaime Lorca y Cía Ltda); Equilibrio Precario; Maleza; TeatroMilagros y La mona Ilustre, presentarán distintas obras desde el 15 de Julio al 12 de septiembre, con adaptaciones de obras literarias (EL Capote, Gulliver, EL ñato Eloy…) y también creaciones originales. Paralelo a esto se realizarán talleres con el fin de compartir esa cuestión tan bonita que es animar cosas inanimadas, así usted también aprende, y, quién sabe, se da cuenta que lo suyo es lo teatral.

¿Más información?

http://rebeliondelosmunecos.blogspot.com

Por fin se apagan las luces, y un clown crespo sale en escena con un tubo de PVC en sus manos. Era una especie de telégrafo. Obviamente había que imaginárselo. Y caí en el juego; me lo imaginé. Desde allí comencé a sospechar el tónico de este arte, y fui en un viaje irrisorio eso de creerse todo el menjunje que traía entre manos este trío de actores payasos.

La obra apostaba por revivir la trágica historia del alemán Karl Flach, creador del primer submarino chileno, que -se suponía- iba a batirse contra la fuerza armamentística de España en 1866. Claro está, la versión se alejaba bastante del drama, ya que acudía a mínimos elementos para hacer reír: plásticos, telas, cables de teléfono, antenas de televisión, sopapos, entre otros (al parecer, todo lo sobrante sirve en el clown; eso sí, el lloriqueo está prohibido). Un biombo tras el escenario transformaba a estos payasines en diversos objetos personificados: en el conflicto Chile-España, dos acorazados ibéricos vivían en los cuerpos de dos payasos que marcaban la “z” cuando hablaban de su patria; mientras, el barquillo chileno revivía en otro clown que hablaba “a lo chilensis”.

El show era de a tres. Se turnaban en cada cuadro. Salían alternadamente cambiando de apariencia y de voz. Era entrete ver a Karl Flach (alemán) interpretado por el crespísimo clown, alto, flaco, moreno, ¡súper alemán!; a la mujer de éste con enaguas rosadas, y bastante sobresaliente el vestido; y por último, al presidente de la época, caracterizado por un erguido hombre, con nariz roja, jardinera café, y banda tricolor. Aún, lo más interesante pasaba cuando al ingeniero germano se le ocurría uno que otro invento, para satisfacer las demandas del gobernante. Así, surgían artefactos como el “mentalápiz”, “quitased” y el “tiraire”. Cada vez que el científico creaba, se sacudía el ambiente con un sonido que simulaba el tintineo de campanillas (cuando se le encendía la ampolleta).

Está demás decir que hubo una eterna conexión con el público. Sobretodo, al momento de montarse un pequeño show televisivo, a manera de “Sábado Gigante”: inventores de diversas nacionalidades mostraban sus objetos bélicos al presidente, para con este fin, encontrar un arma que protegiera las costas chilenas. ¡Y aparecieron las palabras compuestas!: el “espantaenemigos”, el “misil teledirigido”, y el “chaleco antitodo”.

Sin lugar a dudas, nada fue igual al humilde submarino de Flach. La aparición de la nave caricaturesca, en aquel momento, marcaba el nudo de la historia: un armazón de fierros soldados, o algo por el estilo. Las últimas escenas, que acaban en el hundimiento del primer submarino construido en Latinoamérica junto a su creador  y diez tripulantes, daban fin a esta historia hecha cuento, rescatando tanto relatos locales, como la vida misma desde una perspectiva alocada.

Una forma fascinante para revivir a un personaje poco conocido (para los más jóvenes). El drama de elite que se observa en el teatro contemporáneo, no se puede equilibrar a un guión destinado a la infancia; es imposible. Otra vez, el puerto sorprende con manifestaciones artísticas nacientes, casi imperceptibles, como el clown.

“El teatro clown genera una característica muy buena, porque es teatro familiar. Los pueden ver los abuelos, los papás, los niños y todos la pasan bien (…) La historia de Karl Flach- Era una manera de rescatar el personaje como un gran inventor; como un genio loco.Y no reparar tanto en la tragedia, sino trabajar a través de la risa” (Lorena Abaceta, actriz y una de las creadoras de la obra)

Según cuenta Lorca, el relato nace de la visión de un cuadro de Gil de Castro que, sustentado en nuestra historia, da pie a la obra, que muestra de manera onírica cómo ciertos comportamientos actuales se encuentran enraizados en la época colonial y forman parte de nuestra idiosincrasia. Para esto utiliza la familia como soporte del relato.

A mi juicio, la temática es un tanto recurrente dentro de la misma obra. No obstante, los logros del trabajo escenográfico y las marionetas sopesan cualquier debilidad atribuida al texto. Los recursos utilizados, caballos y niños, son impresionantes y conforman una escenografía de fantasía. Los actores son de otro nivel, imposible no destacar el trabajo de Teresita Iacobelli actuando de niño.

Jaime Lorca, el director, estudió teatro en la Universidad Católica y al egresar conforma la destacadísima compañía “La Troppa” (Gemelos, Jesús Betz). Gracias a ésta, viaja por numerosas ciudades Europeas consolidándose como artista. Luego de 18 años junto a la Troppa, funda una segunda compañía llamada “Viaje inmóvil” que debuta el 2006 con Gulliver. Exitazo ovacionado por más de 80.000 espectadores, fue exhibida en el mismo escenario que El último heredero y en innumerables lugares de Francia.

Nada más que decirle que vaya a ver esta obra, permanecerá en cartelera en Matucana 100 hasta comienzos de noviembre (aproveche los jueves populares). Le aseguro un buen momento. Y si alguna vez vuelve a reestrenarse Gulliver, también: recomiendo ver en escena a Lorca con sus muñecos.

¿No tiene idea de que hacer estas vacaciones de invierno con los hijos, sobrinos, nietos o ahijados? Nada mejor que una buena obra de teatro.  El único requisito es ser mayor de cuatro años.

En la carpa Vasco Moulian, ubicada en Ptde. Riesco con Alonso de Córdova, sábados y domingos a las cinco de la tarde se presenta esta obra cuya sinópsis podría ser la siguiente:

Mamantigua es la reina mantis de los Insektos que habitan un árbol de manera tranquila hasta que se conoce la noticia de una catástrofe natural: una destructiva inundación pone en riesgo vital el hábitat del reinado de Mamantigua.

En este contexto, es sólo a través de un liderazgo en pos del bien común y el trabajo en equipo que se puede revertir la ominosa situación de hambruna y cambio climático por la cual pasa el pueblo de Insektia. Esta opción queda representada por la casta de mantis religiosas: Semántico, Romantina e Irnomantis. En el otro lado de la balanza, como representante de la maldad esta Alakrán, un carnívoro rehabilitado que busca el poder para sobrevivir individualmente explotando al resto de los Insektos y comiéndoselos.

Son más de 12 los actores en escena, todos de pulcro negro afelpado y con gran resistencia física: a ratos se organizan ordenadamente pudiendo observar bailes y acrobacias. En el centro de la obra lindos muñecos coloridos. Los personajes son, obviamente Insektos ¡pero gigantes! Algunos miden hasta más de 1,8 metros. Las especies van desde el caracol, los arácnidos, pasando por los gusanos y las mariposas.

El uso de los espacios queda delimitado a la inclusión del cielo de la carpa lo que hace muy bien para cambiar esas posiciones tensionantes típica del mirar sentado y hacia adelante y, claramente los niños la gozan aun más.

El recurso musical se inscribe como factor dominante en la obra con cuatro integrantes. Variados son los estilos por los que pasan en la hora que dura la obra, canciones tanto instrumentales como cantadas, aportan a la comprensión integral del argumento.

¿Y cómo unificar las generaciones compartiendo el espectáculo? Muy simple, tal como en las películas de Disney, apelando al doble sentido, esas “tallas” que los padres o tíos comprenden con risas y que a los niños no les interesa por que están pendientes del movimiento de algún Insekto que también alude a la risa. Así son sucesivas las apelaciones que existen a algunos presidentes o personajes de la actualidad.

La magia viene del teatro negro, esta técnica, de origen Chino fue aprendida por los occidentales a través del famoso “Teatro negro de Praga”. En una cámara oscurecida, actores vestidos completamente de negro, maniobran los objetos. La ciencia radica en la pintura fosforescente de los objetos y la luz especial que los proyecta. De esta manera el invisible actor actúa como mediador entre el objeto y sus movimientos. Mágicamente, pareciera que los Insektos se mueven solos. Técnicamente a través de estos tres elementos se constituye la puesta en escena.

La Compañía Vasco Moulian, ex – Kerubines, tiene 14 años de vida, con más de media docena de montajes, entre ellos: Fantasías (2006), Pájaros (2005), Océano (2004), Planetas (2001), El libro de la selva (1998).

Foto: vascomoulian.cl